Кто ставит голос певцам профессия
Опубликовано: 04.07.2024
Многие часто слышали сочетание «постановка голоса» в музыкальных школах, но не все точно понимают, что оно означает. Одни так называют комплекс упражнений, разработанный для того, чтобы задать голосу определённую манеру пения, другие думают, что это и есть его настройка на правильное пение, согласно требованиям вокального искусства. На самом деле, постановка голоса – это начальный этап обучения вокальному искусству, в зависимости его направления и природных особенностей голоса начинающего вокалиста.
Существует постановка голоса академическая и народная, джазовая и эстрадная, а также постановка хорового голоса, основанная на классическом вокале. Она включает в себя не только вокальные упражнения, но и характерные распевки в рамках подходящего вам направления для развития голоса.
Чем постановка голоса отличается от уроков вокала
Во многих музыкальных школах есть уроки вокала и постановки голоса. На первый взгляд, они почти не отличаются друг от друга, но на самом деле они имеют разную направленность. Если уроки вокала рассчитаны на совершенствование пения в определённой манере, то постановка голоса – это общие вокальные упражнения для начинающих, целью которых является не только определение желательного направления для исполнителя, но и приобретение обязательных навыков таких, как постановка дыхания, развитие артикуляции, преодоление зажимов и т. д.
Во многих музыкальных школах, где есть несколько направлений пения (например, академический и эстрадный вокал), существуют уроки начальной постановки голоса, результаты которых помогут вам выбрать наиболее удачное направление для дальнейшего развития. В хоровых классах также есть уроки постановки голоса, направленные не на развитие навыков сольного пения, а на начальное обучение вокалу. Это нужно для того чтобы голос правильно звучал в хоре и не выделялся из общей хоровой звучности. Иногда постановкой голоса называются уроки пения для детей до 10 лет с упражнениями на дыхание, разучиванием сложных интервалов и обучением чистому интонированию.
Поэтому тем, кто пока не знает, как научиться петь с нуля, стоит записаться на уроки начальной постановки голоса, чтобы потом определить своё дальнейшее направления. Ведь есть голоса, которые больше подходят для классического оперного вокала, чем для народного пения, и наоборот. А есть голоса, которые больше подходят для сольного пения, чем для хорового или пения в ансамбле, несмотря на обучение академическому вокалу. Постановка голоса позволит вам не только получить базовые навыки пения, но и узнать много интересного об особенностях вашего голоса, его тембре, диапазоне и т. д.
С чего начинается постановка голоса
Целью постановки голоса является обучение начальным навыкам пения. Она включает в себя не только комплекс упражнений, но и развитие слуховой культуры исполнителя. Поэтому педагог может вам давать не только специальные упражнения, но и записи различных певцов, так как неправильное пение, зажатость в голосе и различные неудобства могут быть связаны с недостатком слуховой культуры, ведь по радио и по музыкальным каналам редко можно услышать оперные арии или даже просто правильное пение. Многие современные исполнители, чтобы привлечь к себе внимание, начинают придумывать себе броскую, но неверную манеру пения, подражание которой может привести не только к неудобствам, но и травмировать голосовые связки. Поэтому прослушивание примеров правильного пения также входит в комплекс постановки голоса и, если ваш педагог ещё не дал вам примеры, попросите его сами об этом.
Следующей частью постановки голоса является формирование дыхательной опоры. Это различные упражнения с медленными выдохами, шипением, толчками воздуха диафрагмой предназначены для того, чтобы голос имел твёрдую дыхательную опору при пении. Голоса с не поставленным дыханием звучат очень тускло и их характерной особенностью является невозможность удержания длинных нот. Они начинают тускнеть и постепенно терять окраску и чистоту интонации, поэтому поставленное дыхание позволит вам легко петь ноты различной длительности.
Занятие по постановке голоса включают в себя и снятие различных голосовых зажимов, которые могут препятствовать не только лёгкому пению, но и чистой артикуляции. У новичков часто встречается нестыковка речевого голоса с вокальным, поэтому им становится трудно произносить слова при пении. Этот барьер легко преодолеть, когда будут сняты все зажимы голоса. Вы не будете испытывать дискомфорта не только во время пения, но даже и в разговорной речи. И в этом вам помогут вокальные упражнения и распевки для начинающих, простые, но полезные. Также в зависимости от результатов обучения, преподаватель может давать вам упражнения для постановки голоса в наиболее подходящем для вашего голоса направлении.
Вокал или постановка голоса – как говорить, в чем разница? Давайте выясним и разберем отличия, а также поговорим о том, что входит в понятие «постановка голоса».
Итак, что же такое «вокал»?
Вокал — это вид музыкального исполнительства, которое основывается на искусстве владения голосом. Это умение передать содержание музыкального произведения с помощью выразительных способов певческого голоса.
Вокальное искусство разделяется на сольное, ансамблевое, хоровое пение.
Пение – исполнение музыки голосом. Виды пения – сольное, ансамблевое (дуэты, трио, квартеты…), хоровое. Жанры пения – оперное (классическое, академическое), камерное, эстрадное, народное пение.
Постановка голоса – это специальное обучение, тренинг голоса для профессиональной работы. В зависимости от сферы деятельности — у певцов, дикторов, преподавателей, лекторов — с помощью постановки голоса вырабатываются правильные навыки и качества – певческие, голосовые, речевые. То есть постановка голоса подразумевает работу над голосом по улучшению его качеств, это выработка навыков для управления голосом.
Вокал в музыкальной школе
Какой предмет изучается в музыкальной школе – вокал, постановка голоса или пение?
В музыкальной школе есть вокальный и хоровой отдел (в крупных школах). Может быть единый вокально-хоровой отдел, в который входит класс сольного пения и класс хорового пения. Для первого класса основной предмет, или как еще говорят, специальность — сольное пение, а для второго – хоровое пение. В классе сольного пения преподаватель на уроке занимается с одним учеником, то есть пение одного человека – это соло, сольное пение. И это основное отличие. В зависимости от качеств голоса учащегося сольное пение может разделяться на эстрадное, народное, академическое пение.
А пока такие качества (тембр, технические возможности, манера исполнения) не проявились, учащийся занимается пением – исполнением музыки голосом. Но это не только вокализация слова, наработка репертуара – концертного и учебного, но и работа над техникой – постановкой голоса. В программе хорового отдела с основным предметом – хоровое пение, дети поют также сольно. Этот предмет называется «постановка голоса», то есть учащиеся вырабатывают навыки — и технические, и вокальные, для развития голоса.
Качества поставленного голоса
Поставленный голос не спутаешь с обычным голосом. Он отличается красотой и богатой тембровой окраской; яркостью, звучностью, гибкостью; широким диапазоном и правильным дыханием. Правильно поставленному голосу присущи четкость и выразительность дикции, чистота интонации, и главное – выносливость.
Голос – рабочий инструмент певца, актера, лектора, преподавателя. Представители этих профессий должны уметь пользоваться своим рабочим инструментом, чтобы голос, в свою очередь, служил верой и правдой долгие годы.
Представители перечисленных профессий используют голос в работе по многу часов в день. Отличие их голосов – натренированность и не большая утомляемость, потому что профессионалы умеют управлять своим голосом.
Постановка голоса
Работая над постановкой голоса, человек вырабатывает необходимые навыки – вокальные и речевые, развивает определенные мышцы, и в результате такой работы исчезает напряженность, и голос звучит свободно и энергично.
Постановка голоса – выработка также определенных мышечных ощущений и применение на практике теоретических знаний о голосе, дыхании, артикуляции, дикции, интонации.
Постановка голоса включает в себя умение пользоваться резонаторами и техническими приемами, пение в высокой певческой позиции округлым звуком (то есть «на зевке»), применение правильной атаки звука.
Когда каждая составляющая голосового аппарата выполняет свою функцию четко, мы имеем единую слаженную систему. Если же хоть какой-то один механизм дает сбой — рушится гармония, голос срывается и не подчиняется.
Поэтому задача вокалиста – контроль происходящих действий при постановке голоса. Этот контроль осуществляется слухом и внутренними ощущениями. То есть это координация слуха и голоса и умение слушать себя.
Вокалист слышит свое исполнение не так, как инструменталист. Попробуйте записать свой голос, а затем прослушать запись. «Неужели это я говорю (пою)?» — удивится любой человек, который никогда не слышал себя со стороны. В этом случае голос кажется нам тусклым и менее выразительным. Но правда в том, что окружающие воспринимают наш голос таким, как он звучит в записи. Когда мы говорим или поем, то слышим свой голос изнутри и получаем сигналы от разных органов чувств. Благодаря этим внутренним ощущениям и слушанию своего голоса, мы можем скоординировать взаимосвязь слуха и голоса и управлять звучанием голоса.
Чаще слушайте запись своего голоса, привыкайте к тембру, анализируйте и корректируйте звучание. Подумайте, какими словами вы можете выразить ощущения от восприятия своего голоса – легкий или тяжеловесный; полетный, гибкий, пластичный или монотонный, однообразный. Светлый, близкий или утробный, надсадный; грудной или головной; близкий или глубокий; яркий или тусклый; глубокий, бархатистый или высокий и звонкий. Свободный или горловой, гнусавый; округлый или плоский; сильный или слабый.
В результате такой работы появится внутренняя свобода и уверенность в себе.
Постановка голоса предполагает наличие знаний об устройстве голосового аппарата, умение представлять работу органов голосового аппарата, контроль и управление работой этих органов.
От природы у человека может быть приятный тембр, вокальные задатки, но без так называемой школы не может быть хорошего певца, чтеца, лектора.
Постоянная и регулярная работа, а также здоровый голосовой аппарат – непременное условие успеха в постановке голоса.
Теперь Вы знаете, чем отличаются понятия вокал, пение, постановка голоса. Не забудьте поделиться этими знаниями с друзьями в социальных сетях.
В российской вокальной педагогике не существует строгого деления на вокального педагога и вокального репетитора. Как правило, постановкой голоса и разучиванием репетуара занимается один и тот же человек. Часто в роли вокального репетитора выступает опытный концертмейстер. Все вышесказанное, по нашему мнению, не умаляет ценность советов Фреда Сильвера.
Время от времени актеры, которые решили начать петь, задают мне одни и те же вопросы: в чем разница между вокальным педагогом (voice teacher) и вокальным репетитором (vocal coach) и как не ошибиться в выборе того или другого. Большинство испытывает растерянность, так как по названию эти профессии очень легко спутать.
Педагог по вокалу ставит и упражняет голос ученика таким образом, чтобы тот мог петь легко и правильно, качественным, свободно льющимся звуком. Красивым голосом мы обязаны господу, а не вокальному педагогу, но именно хороший педагог может развить наши природные данные и научить использовать их с максимальной эффективностью. Как же выбрать хорошего учителя? То, что данный преподаватель, по его словам, обучает вокальной технике bel canto, еще ничего не значит (бельканто в переводе с итальянского означает всего лишь «красивое пение»). Недельный заработок педагога, число его учеников, наличие у него знакомств среди знаменитостей также не могут считаться важными критериями отбора.
Педагога нужно в первую очередь выбирать по двум критериям:
— способен ли преподаватель развить голос, не разрушая его;
— способствовала ли учеба именно у этого педагога успешной карьере его учеников.
Во время кастингов или прослушиваний здесь, в Нью-Йорке, я обычно спрашиваю актеров, демонстрирующих свободное, качественное пение, у кого они учились. И, как правило, мне называют одно из шести-семи повторяющихся имен. Однако будет большой ошибкой считать, что эти преподаватели — самые модные и самые лучшие. Я знаю много сомнительных педагогов по вокалу, которые наносили голосам своих учеников непоправимый вред — и к которым, тем не менее, в очередь на урок стоят звезды. Теплота и дображелательность не всегда являются синонимами профессионализма, однако эти качества способны привлечь немало учеников, попавших под обаяние личности преподавателя.
Отношения между педагогом по вокалу и учеником — один из самых тесных видов связи между людьми. Разрыв отношений в этом случае равносилен разводу или окончанию длительного романа. При благоприятном стечении обстоятельств завершение этой связи скорее подобно расставанию родителя со своим ребенком.
Нужно иметь в виду, что обучение занимает как минимум несколько лет. Количество занятий варьируется от одного до, в идеале, нескольких раз в неделю. Поэтому неудивительно, что учитель и ученик становятся так близки. Ученик настолько незащищен, настолько открыт перед учителем, что их отношения становятся сродни отношениям между родителем и ребенком. И, если педагог недостатоно профессионален, он может нанести ученику большой вред.
Основная опасность, которую таит в себе учеба у плохого педагога, состоит в постоянном разрушительном воздействии на голос, которое может привести к заболеваниям голосового аппарата, например, узлам на связках.
Помните, что голосовой аппарат очень нежен и требует к себе бережного отношения. Отсюда правило номер один: если пение сопровождается болезненными ощущениями — вы делаете что-то неправильно. Избегайте педагогов, объясняющих боль тем, что вы используете мышцы, которыми раньше не пользовались и заставляете их работать так, как они еще никогда не работали. Пение — свободный и естественный процесс, который скорее связан с расслаблением, нежели с напряжением. Владение техникой правильного дыхания и опорой, которое требует использования ранее не задействованных брюшных мышц, совсем не подразумевают, что вы должны чувствовать боль, напряжение или жжение в связках или горле. Если пение для вас — болезненный процесс, смените педагога как можно скорее, в противном случае вы рискуете заработать узлы на связках, которые сделают вас профнепригодным раньше времени.
Я бы также не советовал обучаться у педагога, который не развивает все регистры вашего голоса, особенно если вы — женщина. Певица, не использующая нижний или грудной регистр, подобна скрипачу, который избегает играть на самой низкой струне своего инструмента — соль. Такой голос нельзя считать полноценным. Произведения, написанные для музыкального театра, при неправильном пении вредны. Если вы женщина, вы можете петь в грудном регистре (belt), а в следующий момент уже в головном (head). Если вы — мужчина и исполняете ансамблевые роли, будьте готовы к тому, что за время одного спектакля вы не раз будете переходить от баритональной тесситуры к теноровой и обратно.
Причина, по которой многие педагоги избегают работать с нижним регистром, проста. Их самих никогда не учили им пользоваться, так как же они могут научить других? Одна моя знакомая, довольно успешный педагог, обучает своих учеников белту, заставляя их кричать. Однако у нее нет отбоя от учеников, которые не настолько разбираются в вокале, чтобы уйти от нее и поискать другого учителя. Я не считаю себя вправе винить ее. Она и ей подобные обучались в консерватории, готовя себя к оперной карьере, а в опере к голосу предъявляются несколько иные требования, нежели в музыкальном театре. В опере, например, певец должен уметь брать и удерживать достаточно долгое время высокие ноты на открытых гласных, отчего страдает артикуляция. В мюзикле, где текст должен хорошо восприниматься на слух, это большой недостаток. Певцов берут в мюзиклы главным образом за умение четко произносить текст и вкладывать в него смысл.
Так что же делать? Как можно убедиться, что ваш педагог разовьет ваш грудной регистир и научит вас петь в манере belt? Очень просто. Ищите учителя, который сам может петь в этой манере. Многие вокальные педагоги когда-то выступали на Бродвее и были вынуждены петь во всех регистрах. С другой стороны, есть немало педагогов-мужчин, которые, как правило, не поют в манере belt, в то же время могут подсказать вам, как развить грудной регистр.
Еще одна вещь, которой ваш вокальный педагог должен обязательно научить вас, —mэто техника правильного дыхания. Роль дыхания зачастую понимается неверно. Важно не то, как именно вы дышите, а когда вы дышите и как используете дыхание. Если бы дыхание как таковое было краеугольным камнем вокального искусства, все спортсмены пели бы как Карузо. Атлеты дышат для того, чтобы удовлетворить повышенную потребность клеток своего организма в кислороде. Кислород поставляется сердцем, которое, из-за нагрузки на организм, перекачивает кровь в несколько раз быстрее, чем обычно. Очевидно, атлет должен вдыхать быстро и часто, чтобы восполнять недостаток кислорода, а это влечет за собой использование мышц спины и грудной клетки. Такое поверхностное дыхание позволяет легкоатлету быстро бежать и при этом не сбивает с ритма, который требуется для выполняемых им упражнений. Танцоров также можно отнести к категории поверхностно дышащих. Они используют мышцы спины, а брюшные мышцы, как правило, напряжены. Певцы не испытывают таких нагрузок, как легкоатлеты или танцоры. Их пульс и сердцебиение во время пения и во время отдыха отличаются слабо. Певец дышит не для того, чтобы снабдить организм кислородом, а для того, чтобы получить воздушный поток, который приведет в действие голосовые связки и сформирует чистый, открытый, громкий звук. Певец использует брюшное (абдоминальное) дыхание, при котором диафрагма работает подобно кузнечным мехам. Именно этому типу дыхания певец должен обучиться для того, чтобы петь правильно.
Когда-то я считал, что на начальном этапе обучения мужчины должны учиться у мужчины, а женщины — у женщины, так как физиология мужских и женских голосовых аппаратов отличается. У мужчин есть выступающее адамово яблоко и крепкий фальцет, которым не обладают женщины. С другой стороны, у женщин есть грудной регистр, которого нет у мужчин. Мне казалось, что ученик только выиграет, если его педагог сможет сам показать то, чему он или она обучает. С тех пор мое мнение изменилось. Теперь я полагаю, что основное требование к педагогу — умение установить контакт с учеником, сделать так, чтобы тот чувствовал себя раскованно, и провести его через все этапы «строительства» открытого, свободного, чистого, полноценного звука.
Самый лучший способ найти преподавателя — расспросить как можно больше хороших вокалистов об их учителях. Если имена будут повторяться, взять их на карандаш и разузнать об этих педагогах поподробнее. Не бойтесь задавать вопросы преподавателю. Вы не обязаны продолжать заниматься с ним, если первый урок вас не удовлетворил. Единственное, что вы должны преподавателю — это деньги.
Обычно урок вокала занимает 30 минут, которые вы потратите на упражнения и вокализы. Как правило, их исполняют на открытые гласные, так как при их артикуляции положение гортани позволяет производить наиболее наполненный звук. Разумеется, рано или поздно ученикам надоедают упражнения на гласные, и они неизбежно начинают просить преподавателя разучить с ними какое-нибудь произведение. Скорее всего, педагог предложит вам какую-нибудь итальянскую арию, что совершенно безвредно. Но если педагог предлагает вам поп-песню или какой-нибудь мюзикловый хит, вам грозит беда, потому что это уже епархия вокального репетитора. Большинство педагогов по вокалу как следует не владеют фортепиано. Многие не могут аккомпанировать и почти никто не умеет транспонировать сопровождение в другую тональность. Их знакомство с театральным репертуаром сводится к звучащим повсюду избитым лирическим хитам, так называемым стандартам. Прежде всего педагог по вокалу обращает внимание на качество звука и вокальную технику, при этом исполнительская сторона и дикция неизбежно страдают. Очень многие педагоги по вокалу убеждают своих учеников игнорировать согласные и «петь только на гласных». На уроке вокала, во время которого исполняются вокализы, это, возможно, имеет смысл, но только не на сцене. Это связано с тем, что тексты песен в мюзиклах обладают той же структурой, что и поэтические произведения. В них используется аллитерация, звукопись и разный поэтический размер. Хороший вокальный репетитор должен научить вас преодолевать трудности, связанные с дикцией.
Вокальный репетитор также должен уметь таким образом подбирать материал, чтобы он давал возможность исполнителю не только развиться как певцу, но и показать себя с лучшей стороны на прослушиваниях. Поэтому вокальный репетитор должен свободно ориентироваться в музыкальном театре — от самых ранних шоу до последних новинок, отражающих различные музыкальные стили — от оперетты до рока.
Вокальный репетитор должен иметь опыт работы дирижером или музыкальным руководителем какой-нибудь офф-бродвейской постановки, летних сезонов или театра-ресторана.
Не обязательно, чтобы он сам был отличным певцом. Он должен хорошо понимать природу вокала, знать, где образуется звук и как с помощью правильной фразировки (и музыкальной, и смысловой) использовать голос наилучшим образом.
Вокальный репетитор также должен уметь научить своего подопечного правильно и уместно двигаться во время песни и знать, куда девать руки и глаза. Одним словом, репетитор должен научить вас как «сыграть» песню.
Как же найти и выбрать вокального репетира? Вот небольшое руководство к действию.
1. Расспросите добившихся успеха исполнителей о том, с кем они занимались.
2. Разузнайте о подготовке своего предполагаемого репетитора. Если он специализируется в области джаза и клубной музыки, он, возможно, не будет достаточно осведомлен относительно специфики музыкального театра. Если он работал с певцами, использующими микрофон, он, возможно, не будет знать, как научить исполнителя петь вживую, с подачей, характерной для немикрофонного пения, которое и требуется на прослушиваниях.
3. Найдите педагога, который удовлетворял бы вас в качестве аккомпаниатора. Может ли он аккомпанировать вам на прослушивании или транспонировать? Скорее всего, на прослушивании продюсерская компания предложит вам собственного аккомпаниатора. Тогда в вашем распоряжении должны быть ноты в удобной для вас тональности. Способен ли ваш репетитор транспонировать их для вас?
4. Убедитесь, что ваш репетитор знаком с музыкальным театром и может подобрать для ваших прослушиваний подходящий и в то же время неизбитый репертуар.
5. Ваш репетитор должен также уметь поставить ваш номер, чтобы он выглядел не просто концертным исполнением песни, а небольшим спектаклем. Он должен уметь научить вас правильно пользоваться взглядом и жестами, а также двигаться.
6. Попросите вашего вокального педагога порекомендовать вам хорошего репетитора.
Будьте готовы готовы к тому, что за час занятий у репетитора вы заплатите столько же, сколько за полчаса у педагога по вокалу. Стоимость уроков может быть самой разной. Как правило, такие уроки полностью оправдывают затраты, поэтому стоит расстаться с лишними пятью или десятью долларами ради занятий с хорошим педагогом.
Приобщаться к пению можно в любом возрасте. Желательно — в юном, даже. в утробе матери (учёными было показано, что зародыш реагирует на музыку изменением ритма своего сердца!). Пусть ребенок «спит у рояля», когда родители музицируют. Будущему певцу еще до «взрослых» занятий желательно формироваться музыкально. Это ускорит будущее вокально-техническое развитие. Детские впечатления прочны и создают фундамент для предстоящей профессии. Многие выдающиеся певцы начинали петь в детском хоре, соблюдая умеренную голосовую нагрузку. Если после мутации (у мальчиков, в процессе созревания, голос может стать более низким) сформируется профессиональный голос, то пение в детстве явится существенным вкладом в становление вокалиста.
Какой этап развития голоса основополагающий?
Начальный период! Не заложив фундамента, не жди успехов. Выражаясь афористично, учение в молодости — резьба по камню, в старости — черчение на песке. Первые вокальные шаги намечают и закрепляют нейромышечные координации. Если начальные координации порочны, то при дальнейшем выправлении эти связи не исчезают, а лишь покрываются новыми навыками и в неблагоприятных условиях рецидивируют. Начальные впечатления зачастую создают шоковые ассоциации, вырабатывают на уровне подсознания стойкие условные рефлексы. Хаотичные же рефлексы вызовут голосовые неполадки даже в отдаленном будущем.
Каковы основные качества голосов?
Основные качества: тембр, диапазон и громкость. Важнейшее — тембр. При умеренном диапазоне и малой силе голос может представлять интерес, если тембр красив. Но при плохом тембре (даже с широким диапазоном и большой громкостью) классическое пение лишено привлекательности. Высота звука зависит от частоты колебаний голосовых складок, сила — от интенсивности выдыхания и амплитуды колебаний складок, тембр — от состава обертонов.
Как быстро можно научиться петь?
Все зависит от Ваших голосовых природных данных. Обычно, обучение вокалу занимает 2-5 лет. Но фактически, совершенствование голоса продолжается на протяжении всей жизни, если проводятся регулярные занятия и тренировки.
По каким свойствам классифицируют певческие голоса?
Тип певческого голоса определяется по тембру, диапазону, переходным звукам, способности комфортно выдерживать определенную тесситуру. Имеет значение характер голосовых складок. Тип голоса определяется и по качеству звучания регистров. У сопрано зачастую более свободно звучат высокие звуки. У басов — центр и низы, у меццо-сопрано — средний регистр.
Почему тип голоса иногда определяют ошибочно?
Ошибки в определении типа голоса случаются нередко, а последствия этого негативны. Голос новичка не развит, не может выразиться полноценно. К тому же, подражая кому-либо, начинающий певец «подгоняет» голос под какой-то стандарт. Оценка типа голоса должна уточняться в процессе развития певца. Немало и «промежуточных» голосов. Например, ни бас, ни баритон, а бас-баритон. Иногда такого певца стремятся вести как баса либо баритона, частично искажая природу. Утрировка одного из регистров помогает имитировать более низкий или высокий; тип голоса. Но сгущение, например, грудного тембра ведет к затрудненности «верхов». Во всех индивидуальных оттенках определить тип голоса очень важно. Когда годы поют «не своим» голосом — это разрушительно для него. Голосовой аппарат во вред себе способен приспосабливаться и имитировать звучание, которому хочется соответствовать.
Легко ли овладеть основами
вокальной техники?
Если голос «поставлен» от природы, то легко. Но это большая редкость. Попадаются счастливцы, у которых гортань анатомически удачно построена и организована для пения. Им не требуется особых приспособлений для перехода от речи к пению. Для большинства же такой переход сопряжен с поисками приспособлений гортани. Обычно овладевают голосом долго, отчасти вслепую. А бывает, неудачное звучание исправляется малой частностью. Например, исполнитель форсировал голос, но поменял его тип или осознал пользу для него придыхательной атаки — и тон стал мягким, певучим. Корректировать голос надо «уважительно» по отношению к его природе.
Почему пению учатся долго?
Не всегда долго, хотя в большинстве случаев. На достижение и закрепление культуры вокального звучания обычно уходит много времени. Вокалист не видит собственных «клавиш» и в поисках технического развития нередко ошибается, долго исправляется вслепую. Капризна вокальная техника, но это лишь средство. Певец должен быть грамотным музыкантом, выразительным артистом. Этому тоже долго учатся.
Можно ли научиться петь по книгам?
Петь учит практика. Учиться петь по книгам — учиться плавать на берегу. Но грамотные книги передают опыт, помогают осознать голосовые проблемы, содействуют самостоятельной работе певца, сокращают время обучения. Если ученик не умеет работать самостоятельно, или даже подготовленный вокалист не осознает свою технику, то они, встретив новые певческие трудности, легко теряют вокальную форму.
Существуют ли секреты
обучению пению?
Мистического нет, есть непознанное. Учащимся нужны вокальные данные, работоспособность, талант. Даже — везение. Пой согласно природе голоса! Если индивидуальные свойства голоса и нервной системы называть «секретами», то они существуют.
Что называют вокальным слухом?
Вокальный слух — это способность определять качество певческого звука, умение распознавать недостатки голосов. Вокалисты воспринимают певческое звучание не только слухом, но и мышцами голосового аппарата, вибрационными ощущениями, зрением, то есть взаимодействием разных органов чувств, опыта, интеллекта слушающего. Главный инструмент вокальной педагогики — слух, связанный с субъективными певческими ощущениями, тоже отчасти субъективен, особенно у неопытных исполнителей. Он нуждается в подстраховке. Певец слышит в преломлении ощущений своего голоса. Слуховая информация перерабатывается сознанием, связана с аналитическими способностями, нуждающимися в развитии и в опыте.
Что называют атакой звука?
Атакой звука называют его начало, зарождение. Воинственный смысл слова не имеет отношения к пению. Условно различают три типа атаки: твердую (сначала смыкаются голосовые складки, затем давление воздуха размыкает их); мягкую (подача дыхания и смыкание складок происходят одновременно); придыхательную (сначала обильно подается через голосовую щель дыхание, затем включаются в работу складки). От того, как голосовые складки включились в работу, зависит дальнейшее звучание голоса. За основу в пении обычно берется мягкая атака звука. Другими пользуются, когда этого требуют технические и художественные задачи. При напряженном звучании голоса наиболее полезна придыхательная атака.
Какое дыхание целесообразно в пении?
Наиболее приемлемо смешанное дыхание, или, что одно и то же, грудобрюшное, реберно-диафрагматическое. Оно сопровождается движением диафрагмы, нижних и средних ребер, брюшной стенки. Менее применим грудной тип дыхания. Всеми отрицается дыхание ключичное. Гигиенично дышать через нос: наружный воздух очищается от пыли, увлажняется, согревается. Этим предохраняются дыхательные пути от раздражения.
Работать ли над дыханием вне пения?
Тренировать певческое дыхание вне пения, как правило, не рекомендуется. Все части голосообразующей системы тесно взаимодействуют. Изолированно работают над дыханием редко и по решению педагога.
В какие часы результативнее петь?
Не всегда есть возможность выбирать время. Но хронотипы людей различны (хроно — от греческого: время). «Жаворонкам» лучше распеваться утром (10 — 12 часов), «совам» — к вечеру (15 — 18). Специалисты по биоритмам даже утверждают, что, теряя контакт с нашим телом, люди через десятилетия наживают патологию.
Можно ли обходиться
без вокальных упражнений?
В бытовом пении (бурлаки, крестьяне в поле и т. д.) упражнений вообще не пели. В академическом обучении исключения тоже бывают, но профессиональная подготовка в целом не обходится без вокальных упражнений. Они не только приводят голос в наилучшее рабочее состояние, но тренируют его целенаправленно с учетом индивидуальных и ситуативных задач.
Какой диапазон голоса
требуется от певцов?
От исполнителей оперных партий — две октавы. От камерных певцов — полторы. Необученные певцы чаще используют объем септимы (типичный, средний диапазон народных песен). Рамки эти условны.
Что мешает расширять диапазон
певческих голосов?
Необученные певцы используют звучание преимущественно одного регистра. У мужчин — чаще грудного. Этим и ограничиваются. Расширению диапазона путем микстования (искусственного объединения грудной и головной функций голоса) мешает в первую очередь стабилизация и перегрузка грудного звучания. А также зажатость гортани, напористое дыхание, искажение природы, типа голоса. Попытки подогнать верхние звуки к грудному тембру — это типичное нарушение природы голоса, игнорирование регистровых механизмов, они, несомненно, чреваты последствиями.
Можно ли «поставить» голос
раз и навсегда,
существуют ли
поставленные от природы голоса?
Певческая форма, трудно обретаясь, довольно легко теряется без тренировки. Ее приходится постоянно поддерживать. Происходят и возрастные изменения, требующие нахождения новых вокальных координаций. Поставленные от природы голоса - весьма редки. Абсолютное большинство голосов требует обработки.
Каковы основные дефекты звука
у певцов?
Типичные недостатки: форсирование, «гортанность» голоса, открытый или перекрытый звук. Пестрое звучание гласных, зауженные и, е, безопорность звучания, сиплый тремор или жесткий. Неточное попадание на звук (подъезды). Зажатое или открытое звучание «верхов». Нарушение вибрато, тремор. У певцов хора — тенденция к обезличиванию тембра.
Каковы способы исправления
вокальных дефектов?
Способов много: верное определение типа и характера голоса; удобный для пения репертуар; снятие лишнего мышечного напряжения; применение придыхательной атаки для смягчения тембра; использование подвижных упражнений для облегчения звука; требования опоры, зевка, высокой позиции. Лучший способ — недопущение дефектов. Для исправления одних и тех же дефектов могут применяться разные вокальные приемы. Одним певцам лучше помогают мышечные ощущения, другим — вибрационные.
Каковы особенности обучения
певцов-любителей?
Любители занимаются добровольно и вне строгих норм профессионального обучения; имеются в виду: возрастной ценз, сроки обучения, профессиональная перспективность, технические требования, охват музыкальных стилей, четкое соответствие академической или народной манере пения. Репертуар любителей должен быть одновременно и учебным, и концертным, чтобы не снижать интерес к занятиям, не уповать на успехи лишь в отдаленном будущем.
Что называют камерным пением?
Камерное пение — от латинского «комната» — подразумевает исполнение вокальной музыки в жанрах романса, песни, ансамбля. Камерное пение требует от исполнителя богатства тонкой нюансировки (каждая песня — спектакль). Мощь голоса не обязательна.
Уместны ли выступления
в подготовке новичка?
Выступления полезны на всех этапах обучения (с посильным репертуаром!). Выступления тонизируют певцов, активизируют самостоятельную работу, обнаруживают коллективно недостатки занятий, а также учат исполнителей реализовываться художественно, преодолевая концертный стресс (иногда исполнители принимают валерьянку, что конечно, само по себе не здорово).
Что нужно знать о мутации голоса?
Мутация в переводе с латинского — «изменение» — перемена голоса у подростков с наступлением полового созревания. Она наступает примерно в 14—15 лет. У южан раньше. У девочек голос меняется плавно, даже незаметно. У мальчиков из-за резкого увеличения гортани возникает охриплость, неустойчивость фонации. Голосовые складки краснеют. Появляется обилие слизи. Новая конфигурация увеличивающейся гортани может оказаться неблагоприятной для пения. В период мутации (около двух лет) мальчикам не рекомендуется петь. А перегрузка голоса недопустима.
Каковы особенности детских голосов?
Детское пение использует фальцетное звучание, которое характеризуется легкостью, прозрачностью, звонкостью тембра, ограниченностью диапазона и силы звука. До семи лет пение сохраняет фальцетный характер. К 12 — 13 годам частично выявляется и грудной тембр.
Как работают с детскими голосами?
Необходимо строго отбирать посильный репертуар, ограничиваться естественным для данного возраста диапазоном и умеренной силой звучания. Петь без зажимов и форсировки. Можно петь систематически, но непродолжительно. Следует избегать бытового крика, типичного для детей.
Что делать, если голос «садится»?
Надо не допускать дефектного и слишком длительного пения, после которого голос «садится», то есть устает, тускнеет, теряет свою звонкость, хрипнет. Это происходит в результате форсировки голоса, перенапряжения гортани, утрировки грудного тембра на высоких звуках, пения в неудобной тесситуре.
Какой жанр удобен
для первых шагов обучения?
Наиболее вокальна народная песня. Рожденная голосом, она прошла через естественный отбор голосами многих поколений. К тому же она может звучать в сопровождении разных инструментов (баян, гитара, балалайка, бубен, ложки и т. д.) и без них, что удобно в самостоятельных занятиях. Эстрадные песни далеко не все пригодны для обучения академического певца. Зачастую они написаны без учета вокальных ценностей: тембр, плавность голосоведения, удобство тесситуры. Многие из них несовместимы с пением в стиле бельканто, ведут к подражанию артистам, шепчущим или кричащим перед микрофоном.
Что главное в обучении пению?
Каждый ответит по-своему, исходя из личного опыта. Пожалуй, главное — это осознание собственных голосовых приспособлений и исполнительских возможностей. Познать себя трудно. Все стремятся соответствовать стандарту. А требуется осознание своих возможностей: что голосу выгодно, какие исполнительские стили подходят нервной системе. В техническом отношении главное для «академиста» — преодоление регистровой разрозненности путем смешения звучания. То есть выработка сплава грудного и головного звучаний, баланс которых индивидуален и изменчив тесситурно: звук выше — тембр «головней», звук ниже — тембр «грудней». Звучание есть взаимодействие дыхания с гортанью. Дефекты взаимодействия: слишком плотное смыкание голосовых складок, их регистровый, не смешанный способ работы, вялость или напористость дыхания.
Какие вокальные устои
типичны для академистов?
Несмотря на пестроту методических позиций, в литературе и в практике прослеживаются такие общие установки: петь на опоре, округло, с высокой позицией, смешанным звуком. Расшифруем эти понятия. Оперно-концертное звучание (не микрофонное) — опёртое, энергичное, упругое. Это относится и к звуку, и к дыханию, так как звук — колебание воздуха, вызываемое дыханием, пульсообразно проходящим через голосовую щель. Петь округло — значит петь объемно, с расширенной глоткой (на «зевке»), благородным звуком. Петь с высокой позицией — значит насыщать голос звонкостью, серебристостью, полётностью. Соединение головной и грудной функций устраняет разнотембровость регистров и расширяет диапазон академических певцов. При этом переходные звуки становятся беспроблемными.
Пользоваться ли микрофоном
голосистому певцу?
Микрофон несколько изменяет тембр голоса. Степень искажения не всегда предсказуема, зависит от качества, сохранности аппаратуры. Если выступление не транслируется, а певца в зале слышно без усилителей — микрофон не нужен.
Микрофон — друг или враг
вокальной культуры?
Микрофон и другие электроакустические системы способны очень помогать вокальной культуре и обучению певцов. Но если по всем каналам звучит преимущественно антивокальная продукция, то певческая культура обрекается на падение. Радио, телевидение влияют на слух народа и обучающихся пению сильнее, чем все консерватории и оперные театры. Микрофонное безопорное напевание несовместимо с оперным звучанием.
Каково влияние на певцов
аудиотехники, звукозаписи?
Применение аудиотехники многопланово влияет на вокальное обучение. Звуковой эфир — это вокальный всеобуч. Засилье скудоголосия в теле и радио эфире снижает вокальный вкус слушателей и начинающих певцов. И наоборот: пропаганда на радио и телевидении вокальной классики повышает вокальную культуру общества. Звукозапись — является эффективным инструментом вокальной педагогики, позволяющий певцам анализировать свое звучание. Действен самоконтроль и в момент исполнения (слушание себя через динамики, использование функции «караоке»). При этом мышечные и вибрационные ощущения поющего дополняются действенным слуховым самоконтролем. Ведь восприятие певцом своего голоса через костную проводимость, через мышечные ощущения дает несколько искаженное представление о своем звучании. Надо полнее использовать возможности электроакустических систем.
Какой дефект звучания
более распространен?
Напряжение голосового аппарата, форсировка звучания. От скованности гортани ухудшается тембр и вибрато, страдают все технические показатели. Частая причина напряженного пения — стремление к громкости. Звучность зависит не столько от физических усилий, сколько от рациональной работы голосового органа.
Почему форсируют голос?
Форсировка голоса — дефект, приводящий к жесткости звучания, к затруднённости верхнего регистра, к засорённости тембра и тремоляции голоса (tremolo — значит «дрожащий»). Следует отметить, что тремоло — это не вибрато.
Вибрато — это в основном низкочастотная модуляция частоты звука. Тремоло — модуляция амплитуды звука.
Форсировка происходит из-за эмоционального перехлеста, из-за использования трудного репертуара, из-за неумения формировать переходные звуки и тоны верхнего регистра, из-за пения «не своим голосом». Разрушителен режим даже малейшего, но длительного форсирования звука. Следует соразмерять силу дыхания с возможностями гортани. Напор дыхания на голосовые складки перенапрягает гортань, ухудшает звучание, делает голос жестким, не льющимся, выжимающимся. С годами раскачивает его. Парадоксально, но чаще форсируют обладатели крупных голосов. Первоначально удивив слушателей силой звучания, они в дальнейшем стремятся подтверждать «голосистость». Это входит в привычку и уже не замечается исполнителями.
По какой причине
чаще теряется вокальная форма?
Обычно вокальная форма теряется из-за нерациональной работы гортани, хотя это редко осознается. Гортань невидима. Как правило, функционирует разнорегистрово; напрягается, замыкая голосовую щель. При этом нарушается и координация с дыханием, резонаторами. Чаще всего требуется усовершенствовать смешение регистров или разомкнуть голосовую щель, создав импеданс на надгортанном уровне. Понимание этого способствует восстановлению вокальной формы.
Возможно ли вокальное саморазвитие?
В редких случаях возможно, когда гортань сконструирована идеально: для пения не требуется дополнительных приспособлений. Большинству же певцов надо искать и автоматизировать верное звучание голоса.
Переиздание материалов статьи возможно только с обязательными ссылками на сайт vokal-1.ru (в интернете гиперссылки) и на автора (Юлия Боголепова)
У каждого человека свой тембр голоса, манера общаться, голосовой фокус. Когда собранный фокус чуть-чуть впереди, он становится для человека и слышимым изнутри, и управляемым, и легким, и комфортным. Тогда человек слышит голос внутри себя и может вести его куда угодно для того, чтобы выразить мысли, чувства, нюансировку, все что угодно.
Он может транслировать мысли в любом чувстве, которое испытывает. И при этом не потерять эту легкость и комфортность управления звуком.
Тут очень важно для начала найти середину звука и ее укреплять.
И, как ни странно, вот эти начальные упражнения – они самые нудные и самые опорные. Это как столбы вбивать, и это еще не дом. Такая работа, когда не видно, что строится, ну вбивают куда-то столбы, часто в неприглядную землю. Потом на них какое-то сооружение будет, а поначалу это довольно скучная работа.
Нахождение этого среднего звука – работа, которая может быстро лишить интереса человека. Любой человек хочет быстрого результата. Он хочет позаниматься час или два и после этого иметь этот речевой капитал, звуковой капитал на всю оставшуюся жизнь. Но так не бывает. Любой капитал нужно умело приумножать. На это необходимо время.
Точно так же здесь вот эти звуковые гаммы, которые позволяют тебе потом уверенно пользоваться звуком: поначалу к ним нужно привыкнуть, потом их нужно полюбить, потом ими нужно наслаждаться, а потом ими можно пробовать управлять. И это основа.
Я со студентами много занимаюсь голосом. Мне важно, чтобы человек изнутри услышал звук, понимал, какая часть его «Я» озвучена. Голос, он же перемещается, иногда он концентрируется в голове, иногда очень близко к губам, в спине, иногда он в груди, иногда он в руках и ногах. Как он собирается воедино и создаёт свободу объема для выражения именно того, о чем говоришь, — и для этого нужны такие гаммы.
Всё может влиять на качество звука: погодные условия, настроение и события жизни. Всё может влиять на то, чтобы голос был не так ровен, не так охотно отдавал бы свои богатства. Смысл надо реализовывать этим звуком. И вот тут надо понять, что ты должен проконтролировать в себе. Грубо говоря, почему там такой палец не так работает при нажимании на клавишу, почему в нем меньше энергии, чем в другом. Значит, этот палец на какое-то время должен стать объектом большего внимания. И эта нюансировка внимания по распределению звука внутри себя – то, чем надо заниматься дальше.
Когда человек немножечко расширит хотя бы на небольшую ступенечку возможность звука, тогда от этого управления он получает колоссальное наслаждение. Информацию из внешнего мира через звук. Соединяет свое пространство с пространством вокруг него. Он получает какой-то кусок радости от этого. Тогда он охотно будет повторять тренинг, будет хотеть получать этот кусочек радости.
Ищу устойчивость в этой середине. Надо её расширять. Мне очень важно, чтобы человек понял, что такое вибрирующая спина. Тогда не надо долго объяснять, какие мышцы создают опору. Он слушает полную вибрации спину, и у него будут правильно работать мышцы, которые держат этот звуковой столб.
Конечно, можно пойти путем, когда сначала вырабатываются эти мышечные условия, для создания звукового столба.
Но я предпочитаю, чтобы человек через звук создавал. Сначала он слышит и устанавливает контакт своим звуком с телом. А потом любой объём ему говорит, какую координацию мышц произвести. И он бы делал это, не задумываясь даже. Там бы не было перебора мышечной работы.
Баланс звука и дыхания. Если только дыханием заниматься – это создает перебор и закрепощение дыхания.
Когда мы достаточно позанимаемся, у нас есть результаты, когда он сам в своем звуке уже какие-то открытия сделал и сформулировал сам, тогда ученик говорит: «Ой как интересно, когда вибрирует верхушка спины – это один звук, а когда вибрируют нижние ребра – это совсем другой звук».
Он сформулировал это. Тогда, когда есть разговор: «А что еще может помочь?», – вот тут можно осторожно сказать: «Еще попробуй удержать дыхание, чтобы немножечко продлить это ощущение вибрации в нижних рёбрах, воссоединить их потихоньку с такой же вибрацией по всей длине позвоночника и рёбер». Это кости, они вибрируют, и мы слышим их, изнутри слышим.
Читайте также: